Putumayo Presents: Nuevo Latino (2004)

«This is the perfect chill disc to throw in your musical rotation. A mix and match grab bag of musical styles with one common thread; it's in a Latin groove. The artists span the globe which is what one comes to expect from Putumayo. The styles of music run the gamut of Latin exotica but with an edge of electronica that results in world beats with a modern attitude. It is very exciting to hear traditional music getting a musical makeover; it is music steeped in tradition with wings for the future. There are long established artists like Jarabe de Palo, Aterciopelados, Los de Abajo and Sergent Garcia but there is much more. Lesser known but not necessarily less talented artists abound for your discovery. Hey! That is what Putumayo is all about, discovery of cool music from elsewhere. Speaking of cool, all these tracks are way cool, especially "Mi Negra" which has that Manu Chao Clandestino multi-layered, percussive lush sound, punctuated by horns and quirkiness, the reggae-Cuban flavored "Original" by Kana and "El Indio" by Los de Abajo, which has a modern tropical feel to it and the ever-lovely voice of Andrea Echeverri from Aterciopelados on "Manana," where she invokes an electronica-driven sambaesque beat that has a retro-futuristic vibe that is pure nirvana. This is good music for relaxing late night and finishing off a good night, or anytime, for that matter. Highly recommended for world music aficionados.» (Amazon)

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El Bicho - El Bicho VII (2007)

«Elbicho VII is Elbicho’s third album. Two years after their last album and with two golden discs in their pocket, the seven members of Elbicho (hence the name of the album), are back with their peculiar brand of flamenco fusion. 15 new tracks, with a special appearance by Bebe. A new and fresh approach that mixes rumbas, tangos and bulerías with jazz, rock and African and Moroccan rhythms. Their anarchic and visionary spirit pleases as much as their music. Their third album is intense and full of nuances where the group show that they are still very much inspired.» (EsFlamenco)

«Elbicho ha le idee chiare. Sette giovani (due di Madrid, cinque di Alicante e nessuno dell'Andalusia), che offrono una proposta differente con una sola parola d'ordine che ne testimonia l'esclusiva identità: una dedizione in diretta e senza pause che coniuga tanghi, seguidiglie o bulerie tra note di jazz e ritmi afro in una perfetta esecuzione musicale. È impossibile resistere all'incanto, al carisma e all'energia della voce di Miguel Campello, un vero "animale da palcoscenico", alla chitarra creativa di Víctor Iniesta, alle profonde note del basso elettrico di Carlos Tato, alla maestria nelle percussioni di David Amores unita alla contundenza di Toni Mangas alla batteria. Infine, al flauto di Juan Carlos Aracil e alla tromba di Pepe Andreu, entrambi di recente incorporazione. “Un concerto è l'insieme delle sensazioni vissute da tutti e sette durante l'intero giorno. Non vogliamo strafare, diamo quello che ci consente il corpo e siamo aperti a quello che ci chiede il pubblico. E' una esibizione molto sincera.” Per questo, Elbicho non è quel tipo di gruppo che firmerebbe un contratto di 24 concerti in un mese. “Amiamo approfittare al massimo dei luoghi, del pubblico e del nostro lavoro, preferendo la qualità alla quantità”. Da due anni questo gruppo, che nacque da incontri casuali nella Scuola di Musica Popolare del grande Guillermo McGill, si esibisce nelle sale madrilene e suona per le strade delle zone di Lavapiés, del Rastro e della Plaza Mayor di Madrid. Nessuno si poteva immaginare che quasi senza provini e grazie solamente al passaparola, nel giugno del 2003, il gruppo Elbicho riuscisse a mettere in circolazione il suo primo disco…» (ElBicho.it – continua)

Many thanx to Guillermija for this post!

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Ojos De Brujo - Vengue (2001)

«Originally more of a collective than a band, the Barcelona-based flamenco fusion group Ojos de Brujo, which translates to Eyes of the Wizard, came together in the mid-'90s when guitarist Ramon Giménez began playing with likeminded experimental musicians like singer Marina "La Canillas" Abad and percussionist Xavi Turull, trying to find out what kind of sound they could create. In 1999, as an official group, Ojos de Brujo issued their first album, a completely self-produced and self-recorded release, Vengue. With a lineup that consisted of Giménez; Abad; turntablist DJ Panko; percussionists Sergio Ramos, Turull, and Maxwell Wright; and guitarist Paco Lomeña, Ojos de Brujo went on to record (again, all aspects of the process were done by the band) 2002's Barí, which was followed by an extensive world tour. Besides increasing their fan base, the tour also introduced them to other musicians from around the world. These meetings inspired the bandmembers to continue developing their sound, and their next album, 2006's Techarí, saw the inclusion of Cuban trumpet player Carlos Sarduy.» (AMG)

«Ojos de Brujo is one of the most strikingly original bands of the new millennia. There is no one quite like them; not only because of their vibrant, seemingly supernatural musicality, but also because of their radical contemporary edge and strong collective spirit. They reflect their Spanish and gypsy roots, but travel light years beyond the traditional flamenco sound.» (more at SixDegreesRecords)

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Amaia Zubiria - Haatik (2002)

«Amaia Zubiria (San Sebastian – Gipuzkoa, 1947) has a marvelous voice and a deep knowledge of traditional song. Together with Txomin Artola she was a longtime member of the ensemble Haizea, and after persuing solo careers for a number of years they came together again to record the beautiful and interesting ‘Folk Lore Sorta’ series of albums of traditional Basque song. Haatik is decidedly contemporary, with touches of rock and jazz throughout, but it never loses the feel of tradition, in the songs, in the delivery and in the attitude. The singer is accompanied by a stellar set of musicians on guitar, bass, percussion, accordion, flutes, reeds, piano and more. » (CDRoots)

«Amaia Zubiria (Zubieta/Usurbil-1947) posee la voz más pura, atrayente y encandiladora de nuestra música popular. Sabe combinar a la perfección el sentimiento de la canción con el placer del canto y esto hace que el que la escucha quede irremisiblemente atrapado. Durante toda su larga y densa carrera, la canción ha sido para ella sinónimo de vida y viceversa. Nació y creció unida al canto y con su voz ha hecho crecer en todos nosotros muchos momentos brillantes e inolvidables. Comenzó con el grupo Haizea, más tarde con Pascal Gaigne, con Txomin Artola y posteriormente continuó en solitario, habiendo presentado, hasta la fecha, 12 estupendos discos para el recuerdo y cientos de actuaciones repletas de color y de sensibilidad, recreando y popularizando de nuevo canciones eternas mientras ofrece a su público la parte más abierta, desnuda y fértil de su alma. Cuando Amaia Zubiria canta, lo hace desde muy cerca, haciendo revivir los amores escondidos, las crudezas apaciguadas y las memorias de cada uno de nosotros, suavemente, cincelando en la piel del viento las señales imborrables de la vida. Con voz sugerente, golosa, sutil y poderosa canta a los paraísos inundados de tierra adentro y a la cruda humedad del mar abierto, mientras nos transpola a la edad de los sueños.» (ProduccionesSerrano)

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Chambao - Pokito a Poko (2005)

«The three original members of Chambao – La Mari, El Edi, and Dani – made waves in the world music scene with their new brand of flamenco, called flamenco chill, which combined the passion and vocal style of traditional Andalusian flamenco with elements of electronica, specifically chillout. Formed in the early morning hours of the 2001 summer solstice in Malaga, Spain, Chambao first appeared to the greater public on the 2002 Sony compilation Flamenco Chill, to which they contributed eight songs, featuring Mari on vocals and the others on the instrumentation. Two years later their first solo full-length, Endorfinas en la Mente, produced by Italian electronica expert Bob Benozzo, was released, followed the next year by Pokito a Poko, a record on which Dani contributed very little, as he left the group before it was finished. After touring for Pokito a Poko, Edi also decided to depart from the band, leaving Mari alone as the last remaining member. After successfully battling breast cancer, the singer returned to the stage and studio with Chambao, this time with a new seven-piece backing band.» (AMG)

«Primero fue Flamenco Chill, un álbum recopilatorio, con seis temas propios y dos versiones, “Triana” y “Camarón” (Pepe de Lucía), no podía ser menos; con él alcanzaron la popularidad. Su calidez y sensualidad que transporta a ambientes relajados mezclados con el duende y la gracia sureña les valió para conseguir el reconocimiento del público (más de 90.000 copias vendidas) tanto nacional como internacional.
Fusionando notas flamencas con la “parafernalia” de la electrónica, ellos mismos autodenominaron su estilo como flamenco chill, una originalísima propuesta y una apuesta valiente y arriesgada. Aunque las etiquetas encorsetan y determinan, pues ellos pretenden una andadura libre, un evolucionar de su propio estilo y lenguaje, un modo de hacer que huela a salitre, que suene a mar. “Queremos transmitir la mejor de las vibraciones” y para ello dieron vida a Endorfinas en la mente, su segundo álbum, esta vez con once temas enteramente suyos, con el que recibieron el Premio Ondas a la Mejor Creación Musical, y el Premio de la Música al Mejor Álbum de Nuevas Músicas.
Este segundo trabajo significó su consolidación definitiva, vendió cerca de 90.000 ejemplares en 20 países, desde EEUU a Japón, desde Francia o Alemania hasta México. Pretendían provocar la “buena voluntad” de la gente y trataron temas como la evolución y el conocimiento personal. Daban las “gracias al oído que escucha, al corazón que siente, a la mente que busca”.
Y así “Pokito a Poko” parieron a su “tercer hijo”, apostando nuevamente por la fusión del flamenco “apaleao” (callejero) y las programaciones y secuencias; pero cada vez más con un lenguaje propio e inconfundible. Evoca alegría y serenidad a un tiempo, con, quizás, un sentido rítmico más vivo, más chambao.» (EstacionTierra)

Official Site (esp/eng): http://www.chambao.es/

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Luar Na Lubre - Plenilunio (1997)

«Reinterpreting songs from centuries-old songbooks, Luar Na Lubre has brought the musical traditions of Galicia, a Celtic region in northwestern Spain, to the international stage since 1986. The recipients of the Ideal award as Best Galician Folk Group awarded by the region's leading newspapers, El Ideal Gallego, the band continues to reinvent the music of their homeland. Formed in 1986 in the city of A Coruna, Luar Na Lubre has made its greatest impact in collaboration with British musician and composer Mike Oldfield, who they met in 1992. In addition to covering piper and bandleader Bietto Romero's song "O Son Do Ar," Oldfield invited vocalist Rosa Cedron to make a guest appearance at his Tubular Bells III concert in London and the band to join him on a world tour. The increased exposure enabled the group to earn their first gold disc with their 1997 album, Plenilunio.» (AMG)

«No ano 1986 nace Luar Na Lubre na cidade de A Coruña convertíndose co paso dos anos e o seu teimoso traballo nunha das formacións máis prometedoras e referenciais da música feita na Galiza e en galego. O traballo que desenrola a banda está enfocado dende a óptica de entender que a música é un dos factores culturais máis importantes para a afirmación do dereito á diferencia enriquecedora do pobo galego. O grupo pretende que na Galiza predomine a súa cultura, aínda que non rexeita influenzas que melloren a súa proposta sen deturpar o carácter central do seu proxecto, que baséase fundamentalmente nas músicas de raiz e língua galegas, polo que adican especial atención ao estudo dos cancioneiros galegos, así como ao traballo de campo que lles proporciona un fondo coñecemento sobre a realidade musical galega, que tamén se revela determinante nas composicións propias.» (http://www.myspace.com/luarnalubregaliza)

Official Website (Galego/Castellano/English): http://www.luarnalubre.com/

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Llan de Cubel - L'Otru Llau de la Mar (1992)

A masterpiece of Asturian folk, and a personal favourite of mine.

«Llan de Cubel ye ún de los más veteranos (dende 1984) y el de mayor repercusión, internacional de los grupos del folk asturianu. El so nome ta sacáu del Picu Llan de Cubel ente los conceyos de Cuideiru y Pravia. La so música ta basada nel repertoriu tradicional asturianu (popular y ensin autor reconocíu). El so soníu ye acústicu y apoyen les sos melodíes na gaita asturiana, el vigulín y la flauta travesera de maera, pa la percusión tiren de tambor tradicional y de bodhran mientres que l'armonía ye cosa de la guitara acústica y del bouzouki. Tamién usen dalgún mediu llétricu pa pasaxes mui concretos de la misma forma qu'a pesar de ser un grupu de clara vocación instrumental, tamién recueyen cantares nel so repertoriu. El so repertoriu ye na so mayoría de temes asturianos (alboraes, marches, pasucáis, saltones, muñeires, polques, entemedios de misa, tonaes, vaqueiraes, villancicos, cantares mariñanos, de llabor, de chigre, etc...). Anque tamén tienen fecho guiños a temes tradicionales d'otros paises del Arcu Atlánticu. La primer formación xuntó al nucleu carbayón d'Elías García, Fonsu Mielgo, Susi Bello y Daniel Lombas, col pixuetu de Guzmán Marqués y Marcos Llope. D'esta primer formación aguañu siguen Elías García, Fonsu Mielgo y Marcos Llope, xunto con Xel Pereda (1995), Simon Bradley (1996) y Xuan Rodríguez (1997). Tamién tuvieron nel grupu Flavio Rodríguez y J.M.Cano.» (Uiquipedia)

«Seperated by a range of mountains to the rest of Spain, the county Asturias (and also Galicia) in Northern Spain is different in several ways to the Southern parts of Spain: The county looks green, and the music sounds somehow familiar to ears used to listen to Irish or other Celtic music. Asturias and Galicia, both belonging to the Green Spain or Atlantic Spain, are the two countries in Spain with strongest Celtic roots. Fonsu, percussionist of Asturian folk band Llan de Cubel, says about the Celtic connections of Asturias that "obviously historically and culturally there are links with the other countries of the Atlantic Sea. There were always exchanges with Brittany for example, many fishermen and traders as well; there were exchanges with the British Islands, with Brittany and the Atlantic coast of Europe." Another reason is geographical; "Asturias has a natural border with the rest of Spain. Asturias is a very green country with lots of mountains, and the natural border is a range of mountains that seperates Asturias totally from the rest, it's a kind of wall, and Asturias was isolated with these mountains. So the natural escape, the natural exit was the sea. You couldn't cross the mountains because they are very high, and there weren't good roads or whatever. There was a natural relationship."Today, the Asturian-Celtic connection is strong again, Llan de Cubel have close relationships to the people of Scotland and Ireland. They do exchanges: Scottish and Irish bands come to play in Asturias, and Llan de Cubel go to play there. Some Scottish and Irish bands play also Asturian tunes, and Asturians play Irish and Scottish tunes in sessions.

Despite this strong relationship, Fonsu emphasizes that the music of each place is different. […] Llan de Cubel's music is also very much its own. Describes Fonsu, "the music we are playing in Llan de Cubel is traditional Asturian music, mainly based in the repertoire for the Asturian pipes. We take most of our repertoire from pipe tunes for the Asturian pipes, the gaita." Together with the gaita, Llan de Cubel have percussion/keyboards, fiddle, flute, bouzouki, guitars and (Spanish) vocals creating a fine sound of Asturian traditions. […] If you come to Asturias, go to the cider bars, the sidrerias. Says Fonsu, "cider is the national drink of Asturias, for me it is the best Cider in the world. And if you go to the Cider bars, maybe you can find there a singer or a piper or..." Or find out about the very unusual way of drinking Asturian cider (especially how the sidra gets into the glass) – but that's another story.» (Michael Moll, Folkworld)

Official site: Llan de Cubel

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Michel Camilo Y Tomatito - Spain (2000)

«A medio camino entre las orillas atlánticas, un cruce musical de ida y vuelta. Tomatito y Michel Camilo. Guitarra y piano. Flamenco y jazz. Ese punto de encuentro transoceánico, que desata apacibles maremotos es, según Michel Camilo, "el sentimiento musical". El pianista dominicano se abrillanta los ojos y ensancha aún más la inmutable sonrisa explicando que "lo me atrajo del flamenco, del jazz y de la música latina es la vibración espiritual común". Y cuenta que al oír flamenco se estremece por "la risa, el llanto, la angustia"... por la explosiva mezcla de sentimientos. Tomatito matiza que "el punto de encuentro no está en la música, sino en los músicos". Para el tocaor almeriense este "viaje", como lo llama Camilo, es un producto salido del "cariño, pues los dos nos sentimos fuertemente conectados". Tomatito, desde su mirada honda, dice que "cada uno hace lo que sabe, tal como lo sabe expresar... no hay más química". El hallazgo de ese lugar donde se encuentra el gen común al jazz y al flamenco no ha sido casual. Michel Camilo, personaje hablador e inquieto, comenta que Spain "es el resultado de más de cuarenta conciertos previos, que han supuesto un proceso de integración". Una integración entre músicos, músicas e instrumentos. Porque al oír Spain no se sabe dónde empieza la guitarra ni dónde el piano, dónde empieza el flamenco ni dónde termina el jazz. Un arranque por soleás se torna, de súbito, en una zambullida por los jugueteos armónicos de Nueva Orleans, en un sigiloso paseo por palos festeros, en un sueño, en un vuelo que acaba por no entender de lindes.

Y los instrumentos se derriten y modelan en uno solo. En Spain, el piano no asume el rol de cante y la guitarra de acompañamiento, sino que las cuerdas se funden y confunden. […] El hechizo brota de una marcada admiración mutua que, en los directos, se hace masticable. Durante los solos, el silencioso aguarda su turno embelesado de puro respeto, hasta que el momento del reencuentro regresa. Y, en cada reencuentro, rehacen la grabación con nuevos diálogos musicales. Michel Camilo anota que "siempre que tocamos, hay algo diferente que nos lanzamos el uno al otro".

Pero siempre se retorna al punto de referencia: Spain o España o su música o su cultura. Michel Camilo puntualiza que "el nombre del disco parte de Spain, la pieza de Chick Corea -versionada en el disco-, con la que hemos querido hacer referencia a experimentos previos en esta misma línea". El nombre lo dio Fernando Trueba, el cineasta enamorado del jazz y del flamenco que produjo el trabajo bajo el sello Lola Records. Camilo recuerda que Trueba lo eligió pensando en un "término conocido mundialmente, un título que conecte con todo el mundo, pero dejando claro que sale desde España hacia el mundo".

Pero de esa vuelta al mundo, pasando por Spain, Tomatito dice no esperar nada, "sólo pretendo obtener satisfacciones y aprender. En este mundo, en el que el tiempo te va envejeciendo, lo único que me mantiene joven es la música. Si me estanco, pierdo agilidad mental... necesito seguir aprendiendo para estar vivo".» (Candela Olivo, Flamenco-World)

«There's a simple, basic, and direct approach that pervades the duets from pianist Camilo and acoustic guitarist Tomatito. But that seemingly bottom-line approach is transcended by the brilliant musicianship of these two players, as they play ultra-melodic music to its ultimate zenith time and time again. The tone is set from the get go as they languish in the freedom of Rodrigo and Chick Corea's "Spain," played as perfectly and spirited as anyone could want. But "Besame Mucho" is changed up, interpreted in loose associations extrapolated out of strict time on this famous melody. Tomatito wrote two of the eight tracks as the pair use a combination of counterpoint and unison lines, approaching sheer telepathy on the brightly melodic "A Mi Nino Jose," while evoking more Chick Corea-isms with melodies passionately flying about on "La Vacilona." Two compositions by the underappreciated Luis Salinas are included as the urgent 4/4 of "Para Troilo Y Salgan" shows Camilo and Tomatito to be the virtuosic speed demons their preceding reputations evince, while "Aire De Tango" is like a samba version of "I Concentrate on You," nicely warmed with a calmed guitar solo. Camilo's lone writing on "Two Much/Love Theme" is also restrained and relaxed, atypical for the usually fiery pianist. This is a recording that bears ripe, luscious fruit, albeit only 45 minutes worth. Recommended.» (AMG)

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Celtas Cortos - Cuéntame un cuento (1991)

In the first half of the 90s Celtas Cortos, formed in Valladolid in 1986, published some enjoyable and fresh celtic folk-rock albums with a sound somewhere in between the epic magniloquence of The Waterboys and the hypercinetic and contagious hilariousness of The Pogues, quickly becoming the recognized champions of Spanish “Rock Celta”, before slowly losing their inspiration and distinctiveness. Cuéntame un cuento is arguably, alongside Gente impresentable, their finest moment.

«Con el folk como emblema, Celtas Cortos lograron hacerse un hueco en el panorama musical mayoritario de nuestro país, gracias a una propuesta refrescante que con el tiempo fue dejando de serlo. El Instituto Delicias de Valladolid vio nacer el germen de la banda, integrado por cuatro alumnos y un profesor del centro, que solían interpretar música tradicional bajo el nombre Colectivo Musical del Instituto Delicias. Tras otro proyecto fallido y una posterior conexión con Amenara, grupo regional de cierto éxito en su circuito y varios álbumes publicados, los cuatro del instituto deciden presentarse a un concurso musical de su ciudad en 1986. Con el apoyo de músicos de Amenara –entre ellos, Jesús Cifuentes, Cifu- se hacen con el primer premio del certamen bajo el nombre de Colectivo Eurofolk. Su idea inicial era separarse tras el evento, aunque la victoria les mantiene unidos, a sabiendas de que deben buscar otra nomenclatura para la formación. Es entonces cuando nace Celtas Cortos, debido al agrado de uno de sus miembros por estos cigarrillos.
En 1987 se hacen con otro premio, que esta vez les permite plastificar tres canciones en un álbum compartido con otros dos ganadores, el extrañamente localizable Así suena: folk joven. Tras estos primeros éxitos, su moral cae en picado cuando las discográficas rechazan sucesivamente su propuesta en forma de maqueta. Prácticamente al borde de la disolución, reciben una oferta de la independiente Twins para dar lugar a su primer trabajo largo. Salida de emergencia (rock celta) aparece en 1989, grabado en 10 días y con un contenido totalmente instrumental basado en sus influencias tradicionales. También se apuntan posibles vías de evolución hacia otros estilos, que denotan las posibilidades de la banda. Gente Impresentable (1990) incorpora una novedad importante: cinco de los temas cuentan con letra y voz de Cifu, algo que aumenta su popularidad ante una propuesta más asequible. No obstante, su verdadero espaldarazo llega con Cuéntame un cuento (1991). El salto a la compañía DRO les otroga los medios disponibles para hacer llegar a mucha gente éxitos redondos como 20 de Abril, o el tema que da título al disco. Celtas Cortos ocupan los primeros opuestos de ventas nacionales, mientras sus directos son fiestas cada vez más multitudinarias. […]» (Mtv.es)

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Radio Tarifa - Cruzando el Rio (2000)

On request, another fine offering from Spain’s finest world music ensemble, Radio Tarifa. Enjoy!

«This, the third disc from Spain's leading roots ensemble, features a mixture of old and new. It continues to offer up the group's time-machine stew of delectable bits and pieces of Spanish musical history. It still uses an extraordinary collection of instruments, modern and medieval, Spanish and Moslem. What's new is the album's foray into Japanese music, "Gujo Bushi," and the occasional use of electric guitar. Though it's harder to pin down, the group seems to have dug deeper into music of the modern Spanish countryside. This new — or newly deepened — exploration of folk music results in two of the album's most intriguing tunes: First is "Ramo Verde," a Castillian folk song with great atmosphere, featuring a woman vocalist for the first time in the group's history. Second is the title track, which is a primitive tango and which most lamentably ends just when it's getting going. The brevity of the songs is a serious concern on "Cruzando el Rio": The 11 tracks total just 36 minutes, allowing too little time for development and no time for the epic grandeur of "Nu Alrest" off of the group's first album, Rumba Argelina. Still, this group never fails to be interesting.» (AMG)

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Radio Tarifa - Rumba Argelina (1993)

Debut album by Radio Tarifa, from Madrid, one of the best Spanish world music ensembles.

Radio Tarifa es mestizaje, en su máxima expresión, y, sobre todo, mestizaje mediterráneo, popular y castellano: flamenco, música árabe andalusí, sefardí, música medieval, castellana, música magrebí, africana..., todas de origen popular. También se han atrevido a acercarse a otras músicas, como la popular japonesa o a la alemana (Cruzando el río, 1997). Lo auténticamente novedoso de Radio Tarifa es que abordan estás músicas desde su vertiente modal, en vez de hacerlo desde la armónica, con lo que consiguen descubrir importantes afinidades entre todos estos estilos.
En flamenco, aunque se han acercado a todos los palos, han manifestado una clara preferencia por los más rítmicos (bulerías o tangos). Sus componentes, Faín, Molino y Escoriza, llevaban ya tiempo investigando músicas antiguas, especialmente los dos primeros, que trabajaban en un proyecto de recuperación de música medieval y renacentista, Ars Antiqua Musicalis. Fruto de esas investigaciones es también el uso de instrumentos estrechamente ligados, como el laud, el armonio o el oboe de madera. Pero también han introducido otros como el ney, flauta de caña que ya usaban los egipcios, el derbuka, tambor de cerámica y parche de piel o el bansuri, flauta travesera de origen hindú, sin olvidarse del bajo, la guitarra o el órgano eléctricos.
También los músicos que les acompañan en los discos y en los conciertos provienen de muy distintos universos musicales: Ramiro Amusategui (laudista), Gerardo Núñez (guitarrista), Javier Paixariño (viento), Javier Ruibal (voz), Wafir Sh. Gibril (acordeonista sudanés), el cantaor Falo, Jaime Muela (saxofonista)... Con frecuencia utilizan también como percusión el zapateado del bailaor flamenco Joaquín Ruiz. La propuesta de Radio Tarifa tuvo gran acogida y éxito inmediato. Están considerados como los mejores representantes de España en los festivales del “World Music”. (Esflamenco)

Ce groupe d’Espagnols est une légende, et une légende exigeante. Quand l’Espagne se souvient de tous les passages sur sa terre soulevée d’oliviers, elle devient la musique de Radio Tarifa. Forte aussi bien de l’éternelle musique méditerranéenne, de la musique des Sarrasins et de l’époque médiévale, de celle de l’Espagne d’aujourd’hui, elle recrée cet âge d’or, au delà des intolérances, qui faisait un jardin aux pommes d’or de tous ces brassages. […] Au début des années 90, autour de la volonté de trois musiciens (Fain S. Duenâs, percussionniste et chercheur en musique médiévale et arabe, Vincent Molino, un Français spécialiste des flûtes arabes, et Benjamin Escorriza), se crée un pont entre l’Espagne moderne et celle d’un âge d’or, celui d’un jardin enchanté de la culture maure, de la culture juive, et des entrelacs du Moyen Age d’avant les bûchers. C’est Radio Tarifa. Le nom du groupe reprend ce symbole puisque le cap de Tarifa, est une passerelle entre l’Europe et l’Afrique, et Radio Tarifa devient une zone franche des musiques du monde, un balcon sur la Méditerranée.
Chantée en espagnol, ancrée dans une Andalousie mythique des musiques espagnoles maures, la musique de Radio Tarifa s’est saoulée de musique arabe, d’airs du Moyen Age aussi. Et elle a fini par naviguer sans impatience dans les rêves, la voile gonflée de toutes les sonorités encloses dans la Méditerranée. Aussi au trio se sont agglomérés d’autres musiciens, et le groupe madrilène est devenu la caisse de résonance des fièvres méditerranéennes. Apothéose du métissage, le groupe Radio Tarifa a élargi l’Espagne et le Maghreb, fait reculer les déserts, et déversé des épices douces et colorées. Musique du Sud où se déversent flamenco, oud, accordéon, balafon et darbouka. […] Cette musique n’est pas retrouvée au milieu des sables, elle est totalement réinventée, longtemps cherchée et recherchée par des chocs d’influences, de savants dosages entre influences opposées. Ni traditionnel, ni moderne, le groupe Radio Tarifa est à la croisée de toutes les tendances de la musique espagnole actuelle, donnant la nostalgie d’un son ancestral de la Méditerranée avec des instruments éternels, mais interprété et arrangé avec les vents modernes et électriques d’aujourd’hui. […] La Grande Bleue a retrouvé les navigateurs de sa mémoire : Radio Tarifa chante, et il n’y a plus de bateaux échoués dans le sommeil de la mer, tous ils voguent à nouveau pour réunir les hommes. (“Radio Tarifa: Les navigateurs de la mémoire”, Esprits Nomades)

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More on Radio Tarifa (and much more...) on my friend Alonsii's wonderful blog,

L'ARBRE DE LES 1000 MUSIQUES

Kepa Junkera, Riccardo Tesi, John Kirkpatrick - Trans-Europe Diatonique (1993)

Historic trio created by Basque musician Kepa Junkera featuring three European masters of diatonic accordion.

"Kepa Junkera was born in Bilbao (located in the Basque region of Spain) in 1965. His first musical dream was realized when the band Oskorri became interested in a boy who played the trikitixa (Basque diatonic accordion) with such extraordinary skill. From 1983 onward they have shared an uninterrupted musical friendship and Junkera has played on all Oskorri albums as well as been a guest performer on several of their tours and concerts. A composer as well as a performer, Junkera’s first original pieces were recorded in 1988 on the album Kepa, Zabaleta eta Mutriku. His two subsequent albums, 1990’s Triki Up and 1991’s Triki Zoom, are outstanding examples of a blend between jazz and trikitixa dance music. In 1992 Junkera’s European experiences were reflected in Trans-Europe Diatonic, a special diatonic accordion trio project with John Kirkpatrick and Riccardo Tesi. The album, recorded in Belgium and followed by a long European tour, was the genesis of many international friendships Junkera has continued to nurture. […] Junkera’s music is a fascinating blend of tradition and contemporary elements. The harmony, mix of rhythms, melodies, and use of language are all things that make this self-taught young musician one of the most important exponents of the trikitixa, the most international of Basque instruments, as well as one of the most vibrant musicians on the world music scene today. "(World Music Central)

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Toumani Diabate, Ketama & Danny Thompson - Songhai (1988)

One of the most interesting multicultural fusions of the 1980s was created by Mali-born kora (21-stringed lute) player Toumani Diabate, British bass player Danny Thompson, and members of Spanish flamenco group Katemah. Initially intending to record a one-time album in 1988, the group reformed to record a second album, Songhai 2, six years later. At the time of the first recording sessions, Diabate, the son of influential kora player Sidike Diabate, had begun to attract international attention with his solo album, Kaira. Released the previous year, the album remains one of the best-selling recordings of solo kora playing. Ketama was also beginning to gather steam. Consisting of two brothers – Antonio and Juan Miguel Carmona and a cousin, Juan Carmona, the group had released its self-titled debut album in 1985. A founding member of British folk-rock group, Pentangle, Thompson is one of England’s busiest sidemen, appearing on a lengthy list of albums by such top-notch artists as Richard Thompson, Loudon Wainwright III, and Tom Paxton. (AMG)

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Balandrán - Balandrán (1993)

One of my favourite asturian folk bands of the 90s, and surely one of the most innovative too along with groups of international fame like Llan de Cubel and the unfortunate Felpeyu, these relatively unknown Balandrán brought a gust of fresh air to the sometimes too conservative asturian folk movement. Based in the small town of Avilès, near Oviedo, Balandrán released only two albums in the course of their existence: the charming eponymous debut posted here, characterized by a warm and brilliant sound, in which the interplay between the traditional acoustic instruments (guitar, accordion, violin, flute, bodhran and gaita - the asturian bagpipe) is enhanced by the use of electric bass & guitar, was followed by El Viaxe, where they took further experiments with electronics. Coming back to Balandrán, in my opinion the instrumental opener Al Dolce with its well constructed crescendo and the moving Danza la mar, «pa baillar descalzos nel sable moyao» (to dance barefoot on the wet sand) alone are worth the download.

They say 'bout them in Asturies:

«Balandrán fué una de las bandas más importantes del folk asturiano, supusieron un aire nuevo y original en nuestra música de reelaboración»

«De xuru la banda asturiana de los años 90 más avanzada conceutualmente»

Enjoy!

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